20 de diciembre de 2016

1996 - 2016: 20 aniversario de LPs que empoderaron a las mujeres en el Hip Hop.

En nuestro 5º quinto aniversario, hoy 21 de diciembre, queremos mostrar nuestra alegría y regalar una de las búsquedas que se ha llevado a cabo a lo largo de este año, sólo puedo sentir agradecimiento por todo el calor y apoyo que sigue recibiendo este proyecto. Gracias a ello, cerramos el año con ganas de comenzar un nuevo ciclo en el que seguir compartiendo música y emociones.

2016 ha sido un año muy especial, se cumplen 20 años del nacimiento de varios LP's que marcaron un punto de inflexión en este movimiento. Siendo 1992 y 1994 aclamados como años imprescindibles, debe reivindicarse 1996 como otro año elemental. Se trata de discos que cambiaron el modo de sentir el Hip Hop, por un lado, traían una nueva visión desde una perspectiva femenina, algo que también venían reivindicando años antes mujeres como MC Lyte, Yo-Yo o Queen Latifah, en una escena acaparada por lo masculino, donde las mujeres apenas nos hemos sentido representadas. Por otro lado, marcaron e inspiraron el camino a seguir de muchas mujeres que se iniciaban en el Rap, siendo conscientes de que podemos escribir, rapear y ser beatmaker o DJ, y no sólo una corista del artista de turno. Cómo no, cada uno de estos LPs ha sido un fruto que ha enriquecido más esta música, considerándose 'Kollage', 'Takin' Mine' o 'The Score' de los mejores discos en la historia del Hip Hop.

Desde los primeros meses del año, en nuestra nueva página en Facebook, Mujeres en el Rap, hemos homenajeado cada uno de ellos en su fecha de salida en formato físico, un trabajo que hemos decidido recopilar, en una sola entrada para que puedas volver a leerlos o si te has perdido la publicación de alguno de ellos, aquí podrás repasarlos.

Por orden cronológico, desde febrero con la publicación de 'The Score' hasta octubre con 'Anuthatantrum', iremos repasando algunos de los mejores LPs que guarda nuestra Historia. De todos los editados en 1996, hemos destacado 8 discos y 1 single, sabiendo que hemos dejado en el tintero alguno que quizá echéis de menos, pero que podemos incluir en este recopilatorio si te apetece darle a la pluma.



The Fugees - 'The Score'.

Esta es una banda de Hip Hop de los setenta que empezó en 1987. 
Somos hijos de la era de Marvin Gaye que nacieron una generación tarde. 
Lo que pretendemos es mantener la credibilidad del Hip Hop en la calle".

Este año estamos reivindicando 1996 como uno de los años más destacados de la generación del Hip Hop. Mientras que la mayoría de grupos de la Golden Era cerraban su trayectoria, aquel año convulso que presenciaría el asesinato de Tupac Amaru y de Notorious, vería nacer savia nueva, una generación de mentes creativas incontroladas que traerían frescura.



En este contexto de transición, cuando el Hip Hop era un mapa caótico que parecía apagarse, Ruffhouse obligó a cambiar de nombre a Tranzlator Crew, donde se unían tres afrodescendientes, dos de ellos haitianos. Este cambio abriría una nueva etapa en el grupo al adaptar el nombre de la palabra refugiados, "Fugees", despojándole de su matiz negativo y reflejándolo como un estado de ánimo de todos aquellos que vivían en Estados Unidos pero eran nativos de Cuba, Puerto Rico, China...
Ahora se sentían libres, la discográfica les dio alas para crear un LP donde decidirían la línea de producción. Sólo tenían que abrirse y derramar al mundo la filosofía del Ghetto, el conocimiento de uno mismo y un mensaje político-social, con unos sonidos donde los instrumentos estaban vivos, aquel momento en que la musicalidad caribeña del Reggae conoció al Hip Hop de los barrios marginales.
A pesar de ser publicado en febrero hace 20 años, cerramos meses después con el disco que creemos de los más influyentes del Hip Hop, por su capacidad de llegar no sólo a sus fieles oyentes, sino también a un público que era la primera vez que escuchaban hablar a la calle. Esta semana dedicada a "The Score" dará por cerrado nuestro repaso a LP's influyentes en su 20 aniversario.


"Tanto ‘Killing Me Softly’ como ‘No Woman, No Cry’ 
producen en su seno esos estados emocionales. 
Sólo los que no aman el Hip Hop pasarán del resto del álbum”.

Sin embargo, "The Score" no fue un éxito inmediato, hasta mayo del 96, cuando "Killing Me Softly" llegó a la radio como segundo single, no empezó a despertar consciencias, y no sería hasta el 97 cuando alcanzó cotas de ventas altísimas. Los críticos les llamaban "Hip Hop alternativo", algo que Wyclef veía peyorativo como consecuencia de despertar los instrumentos en un género controlado por los verdaderos gángsters, según él, la industria discográfica.
Esta es una de las riquezas del álbum, reconstruir canciones cuyo respeto por ellas sólo te lleva a versionarla cuando crees que has creado una bomba auditiva. Y lo era. El clásico de Roberta Flack, además del "No Woman, No Cry" de Bob Marley, consiguieron que el público se parara en seco y mirara la obra de los Fugees con otros ojos. Fueron capaces de levantar y hacer caminar sus espíritus ancestrales y llevarles por otro camino.
Es indudable que en este proceso, Lauryn Hill, meciéndose entre las rimas afiladas y la melodía de sus cuerdas vocales, es el diamante de los Fugees. Rara vez en la música aparecen personalidades tan trascendentales como ella, capaz de mostrarnos con toda confianza cada una de sus emociones, sean positivas o negativas. Como no podía ser de otra manera, el viernes intentaremos entrar en el que, sin miedo a afirmarlo, es el alma y el corazón de una formación como los Fugees, la responsable de que, 20 años después, "The Score" nos transmita las sensaciones de una primera vez.



"En ese momento, el grupo se había disuelto. Lauryn Hill había dejado el grupo y no sabíamos lo que íbamos a hacer. Me llama y me dice: 'Escucha, voy a bajar al estudio y voy a hacer un estribillo. 
Te doy permiso para usar mi voz, pero ya no quiero formar parte de este grupo. 
Le dije, 'No hay problema.' Ella dijo: "Asegúrate de que no haya gente cuando esté allí". 
Le dije, 'No hay problema.' Ella está haciendo el estribillo para 'Ready Or Not' 
y entonces entra en el puente y está llorando. La veo llorando. 
Ella se detiene y dice: "Ya no puedo hacer esto", y se va".

En este clásico atemporal, 'Ready or Not', Lauryn coreaba un estribillo de The Delfonics, sobre un canto sanador celta de Enya, a la vez que revivían los instrumentos de The HeadHunters y del Modern Jazz Quartet, además de las referencias líricas al himno internacional 'Buffalo Soldier' y al 'If I Ruled the World' de Kurtis Blow. La música en 'The Score' es un continuo homenaje a aquellas melodías con las que crecieron, creando magia de Poor Righteous Teachers, de Teena Marie, de Eric B. & Rakim o de The Jazzy Five.
Como si de alguna manera se hubieran alineado los astros, 1996 estaba esperando a Lauryn. A comienzos de aquel año no se preveían las transformaciones de un género que se hacía adulto, donde ella, a sus 21 años, sería un bálsamo. Cuando el Gangsta Rap era la referencia prioritaria para los jóvenes del barrio, llegó su sensibilidad crítica para escribir canciones cargadas de lirismo político, justo en el momento en el que el Hip Hop más la necesitaba.
La presencia decisiva de Lauryn Hill en The Fugees rompió los estereotipos que marcaban el papel de las mujeres en el completo entramado del Hip Hop, aunque contábamos con valiosas excepciones que predicaban esa unión natural en el Underground, como Digable Planets, Arrested Development y Juice Crew, la llegada de los Fugees a medios que copaban todo tipo de público, dejó atrás por un instante una cultura que seguía pecando de machista. Lauryn Hill fue una de las que, junto a LadyBug Mecca, Tasha Larae, Nadirah Shakoor, Roxanne Shanté..., machacaron las letras sexistas, y manifestaron sus emociones como un espacio donde reafirmarse.
20 años después, 'The Score' sigue ofreciendo un lugar de refugio para todas aquellas que sentimos las distracciones y el sexismo al que exponen el Hip Hop aún hoy: ego-beefs, bitchies, pussys... que, como hizo el gangsta rap en su momento, vuelven a atrapar a los jóvenes en su edad más moldeable.

"So while you're imitating Al Capone,
I'll be Nina Simone, and defecating on your microphone".






Bahamadia - 'Kollage'.

¿Sabías que la primera aparición de Bahamadia en un LP fue rapeándose unas barras sobre la clásica "Imagination" de HanSoul Project? Por entonces, en 1991, contaba sólo con 21 años. Faltaba poco para que Guru y Bahamadia se conocieran en Philadelphia.


2 de Abril de 1996. Unos singles previos y alguna colaboración anunciaban la aparición de una de las voces más características del Rap. BBQueen, la chica de voz sedosa e hipnotizadora daba a luz a uno de esos LP's redondos, "Kollage". Guru, DJ Premier, Da Beatminerz, N.O. Joe y un increíble mano a mano entre Ski Beatz&Redhanded en Uknowhowwedu, serán los arquitectos. Con este colchón sonoro, Bahamadia únicamente tendrá que dejarse fluir para construir uno de los mejores discos que escucharás en el Rap.


Si hoy en tu tocadiscos está girando el LP debut de Bahamadia, si suena el Boom Bap de Kollage desde tu equipo de música, o si lo llevas en tus cascos, debes saber que hubo alguien que creyó en ella. Alguien que conectó circuitos internos al escuchar a esa joven muchacha de Philadelphia soltar unas barras y supo reconocer que estaba ante un gran potencial. No podría ser otra persona que Guru. Entre ambos enraizó una amistad fuerte que dio sus frutos: Bahamadia pasó a formar parte del sello de Guru, Ill Kid Records, y él pondría la instrumental para lo que sería su primer single editado en 1994, "Total Wreck". 


Bahamadia se convertiría en una de las primeras y más jóvenes miembros en ser respaldados por la Gang Starr Foundation. De boca de Guru a oídos de DJ Premier se transmitió la magia cuando entra en cabina y se apagan las luces, no necesitó mucho más para colaborar con 5 instrumentales para su álbum debut, algunas de ellas de las más atractivas del LP.


Como recuerdo simbólico de este comienzo entre Guru y Bahamadia nos queda el clásico "Respect the Architect", formando parte del amado Jazzmatazz vol. 2.





Sh'Killa - 'Gangstrez from Da Bay'.

26 de marzo de 1996. En la costa Oeste tambíen están de aniversario. La historia comienza con el nacimiento de N.W.A. (Niggaz With Attitude) en Compton y el posterior surgimiento en los 90's de diversos colectivos en California que explotarían ese sonido sureño. South Central Cartel fue uno de esos primeros colectivos de Gangsta Rap en unirse y en dar voz a los 25 barrios del Sur de Los Ángeles, creando para ello de forma independiente su propio sello, G.W.K. (Gangstas Wit Knowledge) Records, por la que se editaría todos los LP's de cada miembro del colectivo.

En este contexto rescatamos a Sh'Killa, una voz que ha pasado desapercibida por la sombra masculina de las bandas y del sexismo que ha regido el Gangsta Rap. Miembro de South Central Cartel y protegida de Havoc y Prodeje, respaldarán musicalmente su primer y único proyecto editado en el 96, "Gangstrez from Da Bay". Sh'Killa nos dará otra imagen diferente a la habitual del Gangsta Rap, nos hablará de las chicas jóvenes y de las mujeres como miembros de aquellas bandas, de la realidad diaria que guiaba a cada una de ellas, dejando atrás la imagen ofensiva de juguete sexual. Un LP necesario para narrar la otra realidad que no nos contaban.


Un año antes nacía "Murder Squad Nationwide", un LP de South Central Cartel del que seguro has escuchado hablar, pero del que nunca se nombra las colaboraciones de Gripsta, descubierta y respaldada musicalmente por Ice-T, y de Sh'Killa, que se convertirá en la representante más leal de South Central Cartel.




Nonchalant - 'Until the Day'.

26 de marzo de 1996. Vamos a hacer justicia con otro álbum pasado por alto que cumple 20 años, y que no debería faltar en tu estantería. Estamos ante uno de esos discos en los que corroboras que la calidad está donde menos atención ponen los medios. Tristemente las críticas lo tacharon de ser un LP convencional, al uso, un disco que volvía a remover contra el racismo y las drogas. Pero si todos los días muere un chaval tiroteado en la calle, ¿de qué quieren que hablemos?


"5 O'Clock" fue el single que anunciaba la llegada del álbum debut de Nonchalant, natal de la costa Este. Sin ser liricamente agresiva, suelta una advertencia sobre las consecuencias de ser dealer en las calles, un veneno que empezó a debilitar a una Black Nation que se mantenía fuerte y sin distracciones y que, como ella narra, era la culpable de tener a la mitad de sus hombres bajo tierra.

"5 o'clock in the morning. 
Where you gonna be?
(Outside on the corner)
You better get yourself together".


El LP cuenta con instrumentales smooth y envidiables para el mejor de los liricistas, construida cada una de ella a tres manos entre Bam, Kapin y Lonnie, además de contar con un par de ritmos de Chucky Thompson, el creador sonoro de la mítica Big Poppa. La voz de Nonchalant, en inmejorable conexión con los ritmos, creó su propia visión que parte desde el Amor y la luz de los comienzos para adentrarse en los cortes más oscuros y realistas, trasladándonos a un diario devenir en Washington DC, hasta acabar en "Until the Day" con esa dosis de esperanza a la que agarrarse.

"Until the day when I become what I will be, 
Until the day we will see the sunshine through the clouds".


Durante el LP no te cansaras de escuchar colaboraciones con auténticos punchlines o con seductoras voces del R&B, todos ellos procedentes de la misma Chocolate City como diría Parliament, si voy a contar la realidad más cruda que me rodea, quién mejor para hacerlo que la gente que la vive conmigo.


Heather B. - 'Takin' Mine'.

La historia de este LP nos traslada hasta 1987, año en el que Heather B conocería a Kenny Parker cursando el "college", y a su hermano KRS-One a través de éste. A sus 16 o 17 años estaba concienciada con el Rap y con su presente en él, reconoce que pasó incontables horas en el estudio de KRS-One esperando y llamándole innumerables veces. Fue esta insistencia que, literalmente según Heather B, "tenía a KRS-One de los nervios" la que finalmente logró que él abriera la puerta.

A partir de ahí fue instantáneo, escucharla y la chispa prendió. Así, Heather B pasó a formar parte del círculo de Boogie Down Productions el mismo año que nacía Criminal Minded. Sin embargo, uno de sus sueños era hacer televisión y el descontento con una industria musical que no entendía una mujer que rapeara sin bikini, le llevó a participar en 1992 en la primera edición del programa de televisión Real World, el Gran Hermano estadounidense. Aunque nos pueda parecer una etapa turbia en la carrera de Heather B, asegura que gracias a ésto cobró el impulso para hacer televisión, cine y música. De hecho, ese mismo año haría un cameo en "13 n Good", un corte muy molesto en la sociedad al tratar el tema de las relaciones con menores, el último LP que editaría Boogie Down Produtions, "Sex and Violence".



1992 sería clave para ella, además de hacer cameos con Boogie Down Productions como os contaba ayer, también se dejaría caer por los conciertos de KRS-One, ahora se había convertido en una inseparable de su círculo. En este ambiente surge el momento idóneo para lanzar su debut en solitario con su primer single en 12" "I Get Wreck", con una instrumental de Kenny Parker sampleando la batería de James Taylor & The Flying Machine y el "on and on" de Grand Puba en One For All. A partir de aquí, a pesar de los años que les respaldaban juntos, Heather B se convertirá en una protegida de Kenny Parker y de BDP, empezaba un camino que no dejaría de dar frutos al Rap.






El sampleo de Buckshot al inicio de esta obra, y el corte de los Stylistics dándole base, hacía presagiar que algo había cambiado. Hubieron de pasar 3 años para que Heather B volviera haciendo ruido con un single en contra de las armas y la violencia que lleva inscrita. Tanto ella, como Kenny Parker en su faceta sonora, habían evolucionado alcanzando el punto de ebullición adecuado para introducir los ingredientes que nos tenían preparados. Era 1995 y olía a LP gordo...

"I can break it down like whatever u want".

11 de junio de 1996. Poco antes de editarse Illmatic, Nocturnal, Muddy Waters o Beats, Rhymes and Life... Heather B y Kenny Parker sacarían de debajo del asfalto un LP fundamental en la Era Boom-Bap. A pesar de ser eclipsado por algunos álbumes que naciendo en julio se convirtieron en clásicos instantáneos, el parto de esta mujer dejó boquiabiertos a aquellos que acostumbraban a su imagen en un reality de la MTV. "Takin' Mine" llegó para dejar huella.


"I prosecute bitin' bitches to the fullest of the law
There'll be no boostin', there'll be no lootin'
Glocks down? Fuck that, I'll start shootin'

"Da Heartbreaka" abre un LP con el cargardor lleno, Heather B cuenta con la calidad y el peso sonoro de Kenny Parker en todo el disco, a excepción de una instrumental que se marcan Da Beatminerz en "Real Niggaz Up". Esa habilidad de unificar lo antiguo y lo nuevo, lo que fuimos y lo que somos, le lleva a samplear desde Kool and The Gang a Common. Son los ingredientes y las especias que ayudarán a crear la esencia más pura de su sonido clásico.
El single que traía el disco bajo el brazo, "If Headz Only Knew", lo convierte en una declaración sincera al Rap. En sóla una frase, "If headz only knew how I felt about the rap game...", resume lo que guardan sus sensaciones durante este recorrido, sus letras buscan descontaminar un movimiento cada vez más inmerso en la espiral comercial.




Pero el clásico atemporal del disco lo marcó "My Kinda Nigga", en colaboración con M.O.P.



Estos temas sólo refuerzan más el poder de "Takin Mine", un disco que empieza fuerte, y termina con un toque muy smooth en "What Goes On"; una variedad que en ningún momento
le hace perder su esencia.
En su 20 aniversario lo desempolvamos, y lo traemos de vuelta a vuestros oídos. Nació en los días de auge, cuando muchos de los mejores LP's de rap fueron editados, y en un tiempo en el que lo sexualmente explícito copaba el mercado con álbumes como "Ill Na Na" de Foxy Brown, o "Hard Core" de Lil Kim. En este sentido nos identificamos más con las palabras de Heather B, homenajeando a Chaka Khan, al reclamar "I'm every woman".
"Takin Mine" quedó en la sombra, en el subterráneo más consciente de esta música, aclamado por el público que lo habita.





MC LYTE - 'Bad As I Wanna B'.


"Have you ever, ever 
in your long living life 
seen a woman rock the mic 
like the one called LYTE"

27 de agosto de 1996. Si hablamos de discos que han pasado desapercibidos de grandes artistas, tendríamos que detenernos unos minutos para dejarle hueco a "Bad as I wanna B", quinto álbum de estudio de MC Lyte. En 1996 se había ganado el espacio que se merecía, sus líricas trabajadas, contundentes y conscientes iban de la mano de su actitud poderosa como mujer afrodescendiente. 

Pocos años atrás, había editado dos LP's que marcarían su carrera: "Act Like You Know" y "Ain't no Other". Aunque no formen parte de las listas de mejores discos de 1991 y 1993, podemos asegurar que existe un antes y después en el movimiento a partir de liberar los temas "Ruffneck" y "Poor George".



Siendo conscientes de que todo en el universo se encuentra en constate evolución, en la creación musical de una personalidad tan fuerte como Lyte no sería menos. "Bad as I wanna B" contaba con nuevos y diversos beatmakers, destacando la participación de Jermaine Dupri, Rashad Smith e incluso R. Kelly.
La realidad a la hora de enfrentarte a este álbum, y teniendo en cuenta los restantes cuatro LP's que le preceden, evidencia que posiblemente se trate de la mejor liricista (a pesar de que Lauryn Hill se encuentre a su altura, reconocemos la lucha de las pioneras). Si bien disminuye el peso social al que nos tenía acostumbrados, no podemos más que reverenciar a la Reina y reconocer la calidad del LP en su 20 aniversario.






Aaliyah - 'One in a Million'.

27 de agosto de 1996. Una jovencísima Aaliyah de 17 años lanzaba al mundo en el 96 un LP que sacudiría la música y la sociedad norteamericana. Dos años antes, Jive le daba la oportunidad de demostrar que la edad no es nada sino un número, al grabar con 15 años su primer disco fruto de la unión con R. Kelly, cautivando con su dulce voz y su decisiva personalidad. Una chica de Brooklyn, afrodescendiente, influenciada por el Hip-Hop de la Golden Era, pero con alma de Rhythm & Blues, empezará a aparecer en los medios musicales del momento, y eso tendría consecuencias...



"One in a million" salió a la luz días antes del asesinato de Tupac Amaru, tiñendo de tragedia el nacimiento de un disco clave que marcaría el camino del R&B. Timbaland, Missy Elliot, Jermaine Dupri, Craig King... eran jóvenes promesas que debutaron bajo el velo de Aaliyah, anticipándose a lo que más tarde otros imitarían.

Esta vez, más que nunca, la joven muchacha de Brooklyn se colaba en los hogares de todas las casas norteamericanas, con independencia de raza o de clase. No había puerta que no se abriera al captar la melodía de su voz, anunciando un nuevo Soul. Abriendo conciencias de las personas más jóvenes, pues ella no se quedaba en una bonita voz de la que podía lucrarse la industria, ella sabía profundizar y hacer despertar.

Años más tarde llegaría la tragedia, Aaliyah muere, en la cúspide de su carrera musical, en un extraño accidente de avión tras haber grabado "Rock The Boat". Las causas oficiales indicaban sobrecarga y que el piloto se encontraba bajo efectos de drogas, pero la realidad nos aleja de las dudosas pruebas presentadas, la realidad es que Aaliyah incomodaba, ¿cómo podía ser que una chica tan joven moviese a tantas jóvenes promesas?

Sin más, cuando se cumplen 20 años de "One in a Million", queremos recordarla por las bases que sentó y no por presentarla como "la Beyoncé que pudo ser y no fue". Estas diversas divas actuales, son porque Aliyah fue.







Mama Mystique - 'Tremendous' (7").

1996"Tremendous", con 20 años recién cumplidos, fue el primer single de Mama Mystique, residente en NY y apadrinada por Q Ball y Curt Cazal (QNC), que para entonces ya habían editado un par de singles. Con instrumental de Curt Cazal y colaboración vocal de ambos, a Mama Mystique sólo le bastó unos versos para dejarnos en vilo. 



Esta joya, grabada en el clásico D&D Studios, por donde también han pasado otros pesos pesados, llamó a la puerta de muchas mentes que han reconstruido su versión original, uno de ellos el propio DJ Premier que la incluyó en su "Crooklyn Cuts Volume III (Tape C)", junto a otros remixes de Poor Righteous Teachers o Camp Lo.
Mama Mystique es otra de esas mujeres underrated al micrófono que ha aparecido en cuatro ocasiones para dejarnos el legado inigualable de quien lleva en la sangre encadenar palabras.






Da Brat - 'Anuthatantrum'.

29 de octubre de 1996. Nos trasladamos a Chicago, comienzos de 1992, donde una chica de sólo 22 años, por mérito propio, empezaba a despuntar en los cyphers de la ciudad. Gracias a una batalla de Rap, ganada en ese mismo año por Shawntae Harris aka Da Brat, tuvo la oportunidad de conocer en un concierto a Kris Kross, que no dudaron en ponerle en contacto con Jermaine Dupri, ante la explosión de talento que tenían delante.



Aseguran que todo surgió de forma espontánea, Jermaine Dupri creó 9 instrumentales, produciendo por primera vez un LP entero, y Da Brat edificó sobre esa base un clásico, "Funkdafied". 1994 fue el año que le vio nacer, y tan sólo 6 meses después se convirtió en disco de platino vendiendo un millón de copias, convirtiéndose en la primera mujer en el Rap que alcanzaba esas cifras de ventas.
Con estos antecedentes se presentó al mundo en 1996 "Anuthatantrum", de nuevo Jermaine Dupri se encargó de las instrumentales con samples de Isaac Hayes, Public Enemy o Prince, creando un sonido mucho más complejo y maduro. "Funkdafied" sólo fue un anticipo de lo que sería este LP, convertido en disco de oro cuando sólo llevaba un mes en la calle.

Da Brat nos trajo una nueva visión del sonido southern en el Rap, rompió estereotipos y dejó al llamado gansgta rap, marginado en una esquina. La pregunta es, ¿quién puede olvidar "Anuthatantrum" 20 años después?


5 de diciembre de 2016

Poetic Pilgrimage.

"Muchos musulmanes afro-caribeños se sienten conectados a África, aunque no por su inmediato contexto migratorio. En su lugar, se ven conectadas a través de la larga historia de la esclavitud africana del Atlántico a través del Caribe. Munera Rashida, del grupo de Hip-Hop británico Poetic Pilgrimage, ofrece en una entrevista: ''Soy británica, también soy jamaicana. Encuentro fuerza en mis raíces caribeñas, especialmente mirando hacia atrás históricamente a las personas que se llevaron para el Caribe, uno de cada tres de ellos eran musulmanes". Para ella, tanto su identidad religiosa y étnica están ligadas de nuevo al Caribe. Sukina Abdul Noor, su compañera en Poetic Pilgrimage, completó el circuito, explicando: ''el espíritu de resistencia que se oye en nuestra música nace de la herencia del pueblo esclavo africano en las Américas y nuestra lucha por la libertad a través de la música".


Hace siete años Bristol vio nacer un dúo que predicaba su amor y expresión a través del arte de la rima, del Hip-Hop, del Jazz, del Afrobeat... Muneera Rashida y Sukina Abdul Noor son nietas de jamaicanos residentes en Gran Bretaña, conversas al Islam en 2005. Nada de esta información personal debería ser relevante en la presentación de un grupo de Rap, sin embargo, desde que ambas decidieran surgir, las críticas, buenas y malas, han llovido sobre ellas y los medios británicos empiezan a hacerse eco de la importancia de dos mujeres en el mundo del Hip Hop que llevan hijabs y que pueden romper estereotipos rancios y caducados para las generaciones que vienen detrás.
Ninguna de ellas sigue la opinión de que la música es haram, sino que es un conducto cultural para expresar el mundo tal como lo ven y aportar una perspectiva refrescante a las cuestiones de identidad y de la política global. Sus comienzos hay que trasladarlos a Londres donde sus nombres resonaron en los Slam de poesía, después vendría su música lanzando "Star Women: The Mixtape", que bucea tanto en sus raíces caribeñas como en el papel de la mujer negra en los medios. Finalmente consiguieron una de sus metas, que su música se paseara por colegios y Universidades de Inglaterra con un nivel de sensibilidad, humor y autoconocimiento que a la mayoría de los estudiantes les da miedo abordar.


Ahora en 2016 vuelven a resurgir arropadas por GlobalFaction y por una instrumental de Madlib que podría anunciar un resurgimiento a nivel internacional de Poetic Pilgrimage, las cuales demuestran que eso de la poesía les nace de dentro.
En palabras de Rashida: "El Hip Hop... ha dado a aquellos que no tienen manera de expresar sus condiciones sociales un medio para hablar y destacar... Es algo accesible para todas las personas independientemente de su clase o condición económica. Dio vida a un nuevo tipo de creatividad y ha proporcionado la oportunidad para el crecimiento. Ahora que el Hip Hop se ha vuelto internacional, esto sólo ha añadido una textura más a las muchas capas dentro de ella".

14 de febrero de 2016

Yarah Bravo

Aquella chica que se paseaba por los ritmos como un soplo de viento al pasar por tu mejilla, cuenta, diez años después, con una carrera independiente, sólida y fortificada. Su transformación clama por ser una de las promesas que no se nos deben escapar como oyentes.

"Love is the Movement" es el LP de Yarah Bravo que me ha incitado a escibir unas líneas sobre la movida que corre entre sus venas. En dos meses cumplirá dos años un disco donde lo imprescindible es a qué lugar te transporta su vibración. Como diría Kendrick Lamar, "food for thoughts", energía que alimenta tus viajes por el subconsciente hasta la iluminación y la comprensión personal. Al menos, se trata del recorrido que le ha llevado a crear su segundo disco del que parte desde las raíces de su árbol al dedicar una canción a sus padres, Freedom Fighters, hasta llegar a la cumbre de la montaña con I Found Love. La evolución de su música nos ha llevado desde plasmar sus rimas hasta dejar que su voz fluya y se convierta en expresión más cercana al canto.

 "I don’t claim to know anything. I’m not in a place to tell people to do this or that.
I’m as confused as everybody else. I have confusions, I have pain inside,
I go through depression, through a whole bunch of stuff.
But I know that we are all here for a reason".




Pero la historia de Yarah Bravo comienza con el exilio de sus padres tras el golpe de Estado en Chile del dictador Pinochet en el año 73. De padre brasileño y madre chilena, ambos jóvenes concienciados con la lucha política, se vieron obligados a dejar atrás su vida y sus familias para refugiarse en Suecia, la amnésica Europa que daba cobijo a los exiliados del régimen de terror chileno. En Londres nació el fruto de ambos en un entorno bañado, mayormente, de música brasileña que marcaría una de sus influencias más fuertes.

Poetisa desde los 10 años como respuesta a la realidad que se escapaba a su comprensión, marca como fecha clave esa edad hasta los 15 años por ser el momento en el que llegó a sus manos una mixtape con cortes de A Tribe Called Quest, Public Enemy, Big Daddy Kane o 2 Live Crew. Lo que despertó en ella el escuchar aquellas rimas se refleja en el movimiento de llevar la mirada al papel con sus poesías y al cassette. La música instrumental brasileña de sus padres se convertiría en el primer ritmo sobre el que bailar sus letras hasta que se hizo con sus primeros vinilos de Total o SWV, cuyas caras b con instrumentales se convertirían en su mejor vehículo de expresión.

No tardaría en nacer su primer unión con un grupo junto al mágico DJ Vadim y Blu Rum 13, formando One Self. En 2005 crearon "Children of Possibility", un disco que nace cosmopolita por la diversidad de procedencia de sus miembros, cuyo punto de encuentro será Londres, un LP que se aleja del clásico sonido para entrar con instrumentación. El viaje comienza con el movimiento de las cuerdas de una guitarra flamenca, un punteo que se fusiona con un sitar hindú llegando a convertirse ambos en Uno, sin embargo una flauta Shakuhachi japonesa y unos cantos de más allá de Oriente te harán pensar que estás visitando un lugar nunca antes caminado. Las cuerdas vocales se convierten en cantos orientales o en un instrumento más en completa fusión. Dieron a luz un LP imprescindible de escuchar que viaja entre el Downtempo y el Trip Hop, y que, líricamente, crea una nueva línea consciente que nace dentro de ti y lucha contra las mareas que se pasean delante de tus ojos, aquellas verdades que no pueden callarse por más tiempo. Como curiosidad, cuenta con un primer audiovisual grabado en Barcelona, Bluebird.


Su primer paso independiente comenzó en 2010 al editar "Good Girls Rarely Make History", en este LP el mensaje de Yarah Bravo nos recuerda la carta de Questlove en la que recordaba la responsabilidad que tiene cada persona al hacer sonar su voz. Conciencida del papel que le había tocado vivir en un panorama donde hace cinco años seguía buscándose que una mujer enseñara cacho para que el público se fijara en ella, algo que no fue obsáculo para que el disco se paseara por los rincones más selectos de Europa y Estados Unidos.



No podía cerrar sin mencionar el místico directo con banda que lleva practicando desde que "Love is the Movement" viera la luz, dejando atrás los no menos adorados directos con únicamente el equipo de DJ. Sin más, disfruten del viaje.

"They can build high walls, with wire and all
They don't realise the size of our Spirit is tall".